artkoncept http://artkoncept.ru все о современном концептуальном искусстве Mon, 30 Jun 2014 07:51:43 +0000 ru-RU hourly 1 http://wordpress.org/?v=4.0.19 Услуги посредника при покупке живописи http://artkoncept.ru/uslugi-posrednika-pri-pokupke-zhivopisi/ http://artkoncept.ru/uslugi-posrednika-pri-pokupke-zhivopisi/#comments Mon, 30 Jun 2014 07:43:08 +0000 http://artkoncept.ru/?p=102 Стоит ли отказываться от услуг посредника при покупке современного живописного искусства? На первый взгляд, кажется очевидным, что покупка напрямую у художника не только сэкономит приличную сумму, но и позволит сформировать более полное впечатление о мастере и его картинах. Однако на этом пути могут возникнуть разнообразные препятствия, которые не всегда легко обойти. И дело здесь, скорее, […]

Запись Услуги посредника при покупке живописи впервые появилась artkoncept.

]]>
Стоит ли отказываться от услуг посредника при покупке современного живописного искусства? На первый взгляд, кажется очевидным, что покупка напрямую у художника не только сэкономит приличную сумму, но и позволит сформировать более полное впечатление о мастере и его картинах. Однако на этом пути могут возникнуть разнообразные препятствия, которые не всегда легко обойти. И дело здесь, скорее, в психологических факторах, нежели экономических. Описаны лишь некоторые возможные ситуации при посещении мастерской художника.

Коллекционер и художник

В.Голубев, 2013

В.Голубев, 2013

Предварительно ознакомившись с творчеством художника по тем или иным изданиям и сформировав определенное мнение, коллекционер на месте может попасть в ситуацию ограниченного выбора. Так может случиться, когда в мастерской выставлена лишь небольшая часть работ или более ранние работы находятся в другом месте из-за нехватки свободного пространства. Кроме того, можно не угадать с временем посещения и попасть в тот период, когда главные работы находятся на выставках или уже проданы.

В этом случае и у коллекционера, и у художника может остаться чувство неудовлетворенности, достаточного для прекращения их дальнейшего взаимодействия. Для любого посредника подобная ситуация не представляет трудностей и повторяется в рабочем порядке. Он наверняка сможет напрямую высказать художнику свои впечатления и попрощается до следующего раза.

Мнения художников и коллекционеров относительно ценности той или иной работы нередко расходятся. Поэтому то, что художник может считать своей лучшей картиной, может вовсе не понравиться покупателю. Однако не каждый покупатель решится на откровенность. Вероятно, коллекционер постарается вежливо уйти от разговора о навязываемой картине и, не приняв взвешенное решение, покинет мастерскую. В то же время прагматическая задача дилера позволяет ему, не вступая в дискуссии о художественной ценности, отобрать наиболее ценное и коммерчески выгодное.

V.Shinkarev. Platforma Tarhovka,2012

В.Шинкарев. Платформа Тарховка, 2012

Договорившись с художником о посещении, коллекционер может встретить в мастерской не только его самого, но и галериста, который будет регулировать цену продажи. Как правило, галеристы стараются зорко следить за продажами картин их подопечных, поскольку это непосредственным образом влияет на рыночную успешность художника. Галеристы вкладывают деньги в развитие карьеры, заботятся о выставках, присутствии имени в каталогах, обеспечении уровня цен на работы, поэтому для них каждая продажа играет важную роль. Однако некоторые художники не имеют галерейной поддержки по той или иной причине.

Ценовой диапазон может оказаться неожиданным и в случае отсутствия галериста — когда цену определяет сам художник. Тогда итог сделки будет зависеть от умения и желания коллекционера торговаться с автором работы. Когда же торгуется дилер, это воспринимается как нечто само собой разумеющееся.

Коллекционер, дилер и художник

Таким образом, становятся очевидными преимущества работы с дилерами, которые берут на себя роль посредника в общении коллекционера (особенно начинающего) и художника. Они постоянно следят за рыночными тенденциями, отсматривают множество работ, отсеивают заведомо «слабые», что-то покупают оптом, общаются с художниками. Коллекционер же занимается этим постольку поскольку, в свободное время. Кроме того, не менее важным преимуществом является возможность свободно торговаться с дилером, спорить и обсуждать рыночные перспективы приобретенной работы. Несмотря на преимущества работы с дилером, покупка напрямую у художника практикуется многими коллекционерами и не всегда предполагает описанные ситуации. Выбор остается за коллекционером.

Запись Услуги посредника при покупке живописи впервые появилась artkoncept.

]]>
http://artkoncept.ru/uslugi-posrednika-pri-pokupke-zhivopisi/feed/ 0
Арт-рынок и современное искусство — интервью с Nicole Klagsbrun http://artkoncept.ru/art-ryinok-i-sovremennoe-iskusstvo/ http://artkoncept.ru/art-ryinok-i-sovremennoe-iskusstvo/#comments Tue, 29 Apr 2014 14:50:32 +0000 http://artkoncept.ru/?p=95 Владельцы галерей, отдавшие десятки лет любимому делу, все чаще покидают арт-рынок. В их число вошла и Николь Клагсбрун, которая содержала собственную галерею в Нью-Йорке. Она приняла решение оставить свою деятельность. Бизнес-леди посвятила тридцать лет своей жизни миру современного искусства, достигнув значительных высот, но сейчас намерена выйти из игры. Николь Клагсбрун родилась в Бельгии, однако сделала […]

Запись Арт-рынок и современное искусство — интервью с Nicole Klagsbrun впервые появилась artkoncept.

]]>
Nicole Klagsbrun

Nicole Klagsbrun

Владельцы галерей, отдавшие десятки лет любимому делу, все чаще покидают арт-рынок. В их число вошла и Николь Клагсбрун, которая содержала собственную галерею в Нью-Йорке. Она приняла решение оставить свою деятельность. Бизнес-леди посвятила тридцать лет своей жизни миру современного искусства, достигнув значительных высот, но сейчас намерена выйти из игры. Николь Клагсбрун родилась в Бельгии, однако сделала карьеру в Америке, открыв галерею в Челси. Благодаря своему природному чутью она разыскала таких талантливых художников, как Мика Роттенберг, Сара Моррис и Рашид Джонсон, которые приобрели известность с ее помощью. Что же побудило владелицу успешной галереи принять такое решение? На то есть несколько причин.

Тенденции галерейного бизнеса

Покупатели в первую очередь интересуются тем, принесет ли выбранная картина прибыль, стоит ли вкладывать в нее деньги. Николь Клагсбрун говорит, что раньше ей удавалось находилось действительно ярких художников, чьи работы начинали активно пользоваться спросом, в результате чего выигрывали как сами авторы, так и клиенты, скупающие их произведения. Но сейчас вопрос упирается только в деньги, людей не интересует искусство само по себе. Структура арт-рынка такова, что в настоящее время не имеет значение художественная ценность работы, упор делается исключительно на рекламу, создание и раскрутку брендов.

Структура арт-рынка

Сегодня арт-рынок включает в себя множество мероприятий: аукционы, ярмарки, биеннале. Они диктуют моду и непосредственно влияют на спрос коллекционеров. На первое место выходит перфоманс, эффектность презентации. В сегодняшнем мире больших скоростей, где все только ускоряется, нет времени для поступательного развития творческой карьеры. Новые имена появляются на небосклоне арт-рынка очень быстро, что отражается на качестве работ. Однако спрос на такие картины все равно увеличивается.

Приоритеты для коллекционеров современного искусства

Николь Клагсбрун все еще продолжает работать с коллекционерами. Она отмечает, что клиенты больше не выбирают сами, для них удобнее пойти на ярмарку. Раньше клиенты заглядывали в галереи, чтобы лично оценить работу, посмотреть, как она смотрится рядом с другими картинами. Сейчас коллекционеры надеются отыскать что-то интересное на ярмарках, а галереи пустуют. Искусство – это развитая способность воспринимать чужое мировоззрение. С этой точки зрения сегодняшние покупатели не интересуются искусством, для них важна лишь коммерческая выгода. Настоящие коллекционеры предпочитают уйти в тень, им не нравится текущее положение дел на арт-рынке. А те, которые пришли им на смену, увлечены лишь ценовой политикой.

Качество работ художников

Художники начинают осознавать, что главное – это не мгновенный финансовый успех, а сама работа. Однако арт-дилеры намерены выжать все из художника, подписавшего с ними контракт, пока его имя на слуху. У художников остается очень мало времени на творчество. Они должны предоставить ждущим коллекционерам свои новые работы, причем в большом количестве, чтобы удовлетворить их спрос. В итоге художники устраивают свои персональные выставки раз в два года, даже если не наработали ничего существенного к этому времени. Но они не могут позволить себе простой, потому что иначе их потеснят многочисленные конкуренты.

Коммерциализация современного искусства

Николь Клагсбрун объясняет свое решение уйти тем, что она не разделяет принципы современного арт-бизнеса. В частности, побывав на ярмарке Art Basel, она увидела там лишь внешний блеск и никакого содержания, арт-дилеры превратились в банковских служащих. Она считает, что торговать искусством – это не то же самое, что сбывать бытовую технику или давать кредит. Художники вкладывают в свои произведения личный опыт, энергию, выстраданные идеи. Увы, сейчас для большинства искусство – всего лишь компонент их стильного образа жизни. Бельгийка говорит, что ни разу не сотрудничала с компаниями, которые занимаются пиаром. Она полагает, что настоящее произведение искусства всегда найдет своих ценителей. Но сейчас коллекционеры не заинтересованы в том, чтобы собрать хорошую коллекцию, они предпочитают иметь дело только с раскрученными именами.

По материалам polyartgallery.com

Запись Арт-рынок и современное искусство — интервью с Nicole Klagsbrun впервые появилась artkoncept.

]]>
http://artkoncept.ru/art-ryinok-i-sovremennoe-iskusstvo/feed/ 0
Концептуальное искусство Фрэнсиса Бэкона. Часть 2 http://artkoncept.ru/kontseptualnoe-iskusstvo-frensisa-bekona-chast-2/ http://artkoncept.ru/kontseptualnoe-iskusstvo-frensisa-bekona-chast-2/#comments Thu, 18 Jul 2013 17:27:24 +0000 http://artkoncept.ru/?p=79 В 1971 году после смерти Дайера Бэкон создаёт триптих «Памяти Жоржа Дайера». В том же году в Гранд Палас (Париж) состоялась грандиозная ретроспектива работ художника, где было представлено более ста его картин и 11 триптихов. В их число попали портреты Джорджа Дайера и «Триптих май — июнь 1972» — самое выдающееся полотно, написанное автором на […]

Запись Концептуальное искусство Фрэнсиса Бэкона. Часть 2 впервые появилась artkoncept.

]]>
Концептуальное искусство Фрэнсиса Бэкона. Часть 2

Концептуальное искусство Фрэнсиса Бэкона. Часть 2

В 1971 году после смерти Дайера Бэкон создаёт триптих «Памяти Жоржа Дайера». В том же году в Гранд Палас (Париж) состоялась грандиозная ретроспектива работ художника, где было представлено более ста его картин и 11 триптихов. В их число попали портреты Джорджа Дайера и «Триптих май — июнь 1972» — самое выдающееся полотно, написанное автором на тему смерти друга. Среди европейских выставок современной живописи картины Бэкона экспонировались в Мадриде (1978), в Барселоне (в том же году), в Восточном Берлине (конец восьмидесятых), и в Москве (1988). Наиболее значимое произведение тех лет — триптих «Орестея Эсхила» (1981). Работы Фрэнсиса Бэкона раннего периода отличает тёмная цветовая гамма. В более позднем творчестве  художник отдаёт предпочтение тёплым тонам — жёлтым, оранжевым, брусничным, вишнёвым. Среди холодных тонов выбирает серо-зелёные, тёмно-синие и чёрные. Живопись Бэкона сродни скульптуре, напоённой экспрессией — изгибы и изломы фигур как текучая масса, напоминающая лаву. При всей экспрессивности и текучести форм в живописи художника присутствует организованное пространство — есть перспектива, видимая линия горизонта. Аквариум, голые стены или клетка — трёхмерное пространство всегда прописано.

При создании многих произведений Бэкон в качестве прототипа использовал старинную живопись мастеров прошлого. Обратимся к серии картин «Орущие папы». На одном из полотен понтифик подвергается нападению обглоданной бычьей туши (сюжет взят у Рембрандта), на другом святой отец заключён в стеклянную клетку. Наиболее известная картина серии — «Изучение Папы Иннокентия X Веласкеса», оригиналом которой послужили работы Диего Веласкеса (Испания, 17 век). Образы Веласкеса Бэкон исказил до полной неузнаваемости, и они обрели формы, полные экспрессии и ужаса, повергающие зрителя в состояние шока. Помимо шедевров мастеров ушедших времён прототипами работ Бэкона служили фотоснимки из газет, кадры из фильмов. Будучи самоучкой, создатель самых шокирующих образов свою технику описывает следующим образом: «Вы не можете себе представить, как безнадежность в работе может заставить просто взять краску и делать все, что угодно, чтобы выбраться из рамок сотворения иллюстративного образа любого типа». Все эти покорёженные вещи и изувеченные люди, пустые комнаты и клетки — их можно сравнивать с сюрреализмом, но это не вполне корректно. С трудом находя определение стилю этого художника, знатоки современной живописи видят в его творческой манере влияние живописи Пабло Пикассо и немецкого экспрессионизма. Сам же Бэкон считал себя реалистом, утверждая, что ничего в мире «…не может быть ужаснее, чем сама жизнь».

Наследие Бэкона: «Я верю в упорядоченный хаос, твёрдые правила случая»

Весь трагизм существования, беспредельный и безграничный вопль сконцентрированы в экспресивной, вводящей в ступор живописи Фрэнсиса Бэкона, превращающей людей в запредельных чудовищ. Приглядимся повнимательнее к автору этих монструозных картин. Несмотря на миллионную стоимость своих шедевров ещё при жизни, Бэкон продолжает жить в старой мастерской-гараже в Южном Кенсингтоне. Единственные ценности в этом неуютном пристанище — кисти, краски и, разумеется, картины. Испытывая непреодолимое отвращения по отношению к любому проявлению порядка, Фрэнсис устроил в своей мастерской чудовищный бардак, разобраться и жить в котором мог только он сам. К полной гармонии художник пришёл только превратив стены своего жилища в одну сплошную палитру.

В 2008 году аукционный дом Sotheby’s продал триптих «Ориентир канонического XX века» (1976) за 86,3 миллиона долларов. От прошлых владельцев — семьи виноделов Мюи картина перешла к новому — Роману Абрамовичу, русскому миллиардеру. Это не просто самая дорогая продажа современного искусства, это рекорд стоимости для самого Sotheby’s за всю его 350-летнюю историю существования, весьма удививший хозяев аукционного дома. Автор этого шедевра-рекордсмена, не доживший до триумфа 16 лет, занял третье место в мировой десятке самых дорогих художников. Он уступил только Пабло Пикассо и Густаву Климту, опередил Питрера Пауля Рубенса и Винсента Ван Гога. При том, что Ван Гог и Пикассо были кумирами Бэкона, среди которых был также Веласкес, чьих полотен на арт-рынке нет в принципе. Недавно на аукционе Sotheby’s произведение Бэкона внось стало рекордсменом. Самый дорогой лот — «Скорчившаяся обнажённая» (1961) был продан за 8,3 миллиона фунтов стерлингов.

Значение Бэкона для современного концептуального искусства

Создавший множество шедевров, занявших достойное место в живописи современных художников, Фрэнсис Бэкон причислял себя не к отвергающим традиции новаторам, а в большей степени к «старым мастерам». Уже в конце семидесятых его стали относить к классикам современной живописи. При всей модернистской направленности творений этого классика с его экспрессивной техникой, не укладывающимися в привычное восприятие формами предметов и тел, с пространством, словно вывернутым наизнанку и поставленным на голову, в 1976 году создавая свой триптих-миллионник, Бэкон взял за основу миф о Прометее. Согласитесь, не всякий современный художник пишет картины, используя сюжеты античной классики. Перейдя границы допустимого, Бэкон — один из знаковых художников второй половины прошлого века, совершил этот выход за грань так гениально, что все теперешние почести его творчество, бесспорно, заслуживает. Фрэнсису Бэкону был предложен титул ещё при жизни, от которого художник отказался. Наврядли найдётся человек, относящий Бэкона к числу своих любимых живописцев. Будучи художником фигуративным, он чётко даёт понять, что именно хочет сказать зрителю своими работами, от которых у большинства нормальных людей мурашки по спине. Тем не менее, ознакомиться с его творчеством не мешает каждому интересующемуся темой живописи, ибо Фрэнсис Бэкон является весьма значимой в мире современного искусства фигурой.

Запись Концептуальное искусство Фрэнсиса Бэкона. Часть 2 впервые появилась artkoncept.

]]>
http://artkoncept.ru/kontseptualnoe-iskusstvo-frensisa-bekona-chast-2/feed/ 0
Концептуальное искусство Фрэнсиса Бэкона. Часть 1 http://artkoncept.ru/kontseptualnoe-iskusstvo-frensisa-bekona-chast-1/ http://artkoncept.ru/kontseptualnoe-iskusstvo-frensisa-bekona-chast-1/#comments Thu, 18 Jul 2013 17:27:04 +0000 http://artkoncept.ru/?p=78 Выдающийся художник современности Фрэнсис Бэкон — прямой потомок великого философа конца 16 — начала 17 века, и его полный тёзка, что не случайно. В этой ирландской семье существовала традиция одному из сыновей давать имя Фрэнсис.  Создатель шокирующих публику шедевров современной живописи относился к истории своей семьи весьма почтительно, несмотря на разрыв с ней в возрасте […]

Запись Концептуальное искусство Фрэнсиса Бэкона. Часть 1 впервые появилась artkoncept.

]]>
Концептуальное искусство Фрэнсиса Бэкона. Часть 1

Концептуальное искусство Фрэнсиса Бэкона. Часть 1

Выдающийся художник современности Фрэнсис Бэкон — прямой потомок великого философа конца 16 — начала 17 века, и его полный тёзка, что не случайно. В этой ирландской семье существовала традиция одному из сыновей давать имя Фрэнсис.  Создатель шокирующих публику шедевров современной живописи относился к истории своей семьи весьма почтительно, несмотря на разрыв с ней в возрасте 18 лет. В течение жизни он постоянно следовал многочисленным высказываниям своего предка-тёзки, зная их все наизусть.

Жизненный путь Фрэнсиса Бэкона

Родился будущий гений концептуального искусства в Дублине, 28 октября 1909 года. Мать Бэкона была женщиной образованной и культурной. Отец Фрэнсиса, отставной капитан гусар, обладал характером авторитарным и жёстким. С раннего детства мальчик испытывал постоянное чувство страха и вины перед Богом, отцом и полицией. В 1911 году семья Бэконов переехала в Лондон, и это был не последний переезд в жизни Фрэнсиса. Обрзование мальчику давали частные педагоги на дому. Причиной тому стали частые переезды семьи, а также невозможность посещать школу, связанная с болезнью Фрэнсиса — астмой. Выйдя в отставку, Бэкон-старший занимался подготовкой лошадей к скачкам. Узнав о недопустимых с точки зрения общества взаимоотношениях сына с некоторыми груммами из своей конюшни, отец выгнал Фрэнсиса из дома.

Юноша едет в Лондон, увлекается там сценическим искусством, затем отправляется на материк. Германия и Франция — здесь молодой человек начинает учиться и работать. В Берлине у Фрэнсиса живут родственники, и он появляется у них весной 1927 года. Город произвёл на Бэкона впечатление, но спустя полгода он направляется в Париж. На Монпарнасе Фрэнсис занимается изучением французского языка, а также работает декоратором и дизайнером. В том же 1927-м Бэкон попадает на выставку современного искусства, где были представлены картины Пабло Пикассо, и это оказывает решающее влияние на всю его дальнейшую судьбу. Современная концептуальная живопись становится с этого времени делом всей его жизни. Фрэнсис Бэкон возвращается в Британию в Лондон. Учителем Бэкона становится Рой де Мейстре, австралийский художник. Приобретя один из недорогих старых гаражей в Южном Кенсингтоне, Фрэнсис превращает его в свою мастерскую, где работает до 1932 года. В 1930 году Бэкон и Мейстре устроили совместную выставку в этой импровизированной студии. Несколько лет художник появлялся поочерёдно в Лондоне-Париже-Берлине, в компании авантюристов и гангстеров. Он продавал мебель и ковры, изготовленные по его дизайну, писал картины, основная масса которых была уничтожена автором. Бэкон желал проживать в полной безвестности, и от произведений раннего периода его творчества мало что осталось.

В 1945 году на выставке современного искусства публика увидела триптих Бэкона «Три стадии образа на основе распятия», повергший в шок всех — зрителя, искуствоведов, критиков. В следующем году Фрэнсис отправляется в Монте-Карло, где работает до 1950 года. По возвращении в Лондон Бэкон ненадолго становится преподавателем в Королевском колледже искусства, а также до 1958 года сотрудничает с «Ханновер Гэлери». В шестидесятых годах художник удостаивается многочисленных почестей, премий в области современного искусства, живописи. Не гонясь за наживой, Бэкон передаёт на реставрацию живописи флорентийских мастеров эпохи Возрождения полученную им премию Рубенса. Моделью многих произведений Бэкона с 1964 года становится Джордж Дайер, с которым художника связывала тесная дружба вплоть до смерти Дайера от передозировки алкоголя и снотворного в 1971 году. Следующей моделью для творчества мастера современной живописи в 1974 году становится Джон Эдвардс. Он же будет наследником Бэкона. В 1975 году, во время второй поездки Бэкона в Нью-Йорк, где проводилась его выставка в музее Метрополитэн, состоялось его знакомство с другой крупной фигурой концептуального искусства — Энди Уорхолом. Художник скончался от инфаркта в Мадриде 28 апреля 1992 года.

Фрэнсис Бэкон — обзор творчества в области современного искусства

Орущие рты, больше похожие на пасти, искажённые, исковерканные лица, кровавые брызги, обглоданные или освежёванные туши, скрюченные, изломанные, изогнутые под невероятными углами фигуры людей, словно отражения в кривом зеркале, вызывающие вовсе не смех, скорее ужас — вот краткое описание произведений Фрэнсиса Бэкона, художника, шокиующего публику при жизни, автора самых дорогих картин современности. Среди всех шедевров современной живописи картины Бэкона не оставляли равнодушным никого. Безрукие, безглазые, завязанные в узлы забрызганные кровью фигуры — что автор хотел донести до зрителя? Лондонские галереи начали экспонировать картины Бэкона с 1933 года. На этот год прихолится написание художником его первого «Распятия», вошедшего в каталог «Арт Нью». В 1944 году увидела свет нашумевшая работа «Три этюда фигур в ногах Распятия», выставленная в галереях Лефевр и Тэйт. Далее были выставки современной живописи Фрэнсиса Бэкона в Европе. Первая ретроспективная выставка произведений художника состоялась в Лондоне в 1955 году, в Институте современных искусств, а в 1962 ретроспектива была проведена галереей Тэйт.

На период с 1964 по 1967 годы приходится создание триптиха «Три фигуры в комнате» (1964), триптиха «Распятие» (1965), выставленные в Государственной галерее современного искусства в Мюнхене. В эти годы Институтом современного искусства в Чикаго, а также музеем Гугенхейма проведены ретрспективы работ Бэкона. Кроме того, в это время художник работает над созданием не свойственных его творчеству женских портретов, моделями которых стали Генриетта Мораес, Изабель Раусторн и другие, пишет «Триптих на тему поэмы Томаса Элиота» (1967). В середине шестидесятых Бэкон посещает Соединённые Штаты (первая поездка в Нью-Йорк состоялась в 1968 году).

Запись Концептуальное искусство Фрэнсиса Бэкона. Часть 1 впервые появилась artkoncept.

]]>
http://artkoncept.ru/kontseptualnoe-iskusstvo-frensisa-bekona-chast-1/feed/ 0
Концептуальное искусство Ив Кляйна. Часть 2 http://artkoncept.ru/kontseptualnoe-iskusstvo-iv-klyayna-chast-2/ http://artkoncept.ru/kontseptualnoe-iskusstvo-iv-klyayna-chast-2/#comments Thu, 18 Jul 2013 16:29:43 +0000 http://artkoncept.ru/?p=70 Поскольку пустота расценивалась Кляйном как произведение искусства, то ее, соответственно, можно было продать. Художник проводил особый ритуал, призванный подчеркнуть прозрачность сделки и безукоризненную честность обеих сторон. Клиент оплачивал пустоту золотом, причем исключительно в слитках. Половину золота бросали в Сену, корешок банковского чека тоже отправлялся в небытие. В итоге клиент не мог подтвердить, что он купил […]

Запись Концептуальное искусство Ив Кляйна. Часть 2 впервые появилась artkoncept.

]]>
"Pigment pur". Концептуальное искусство Ив кляйна

«Pigment pur». Концептуальное искусство Ив кляйна

Поскольку пустота расценивалась Кляйном как произведение искусства, то ее, соответственно, можно было продать. Художник проводил особый ритуал, призванный подчеркнуть прозрачность сделки и безукоризненную честность обеих сторон. Клиент оплачивал пустоту золотом, причем исключительно в слитках. Половину золота бросали в Сену, корешок банковского чека тоже отправлялся в небытие. В итоге клиент не мог подтвердить, что он купил пустоту, потому что все доказательства канули в нее же. Однажды это произведение концептуального искусства приобрел известный философ-экзистенциалист и писатель Альбер Камю.

Синий период и творческие эксперименты Ив Кляйна

В Париже Кляйн отметил начало своего синего периода тем, что отправил в небо 1001 воздушный шар. Естественно, все они были синего цвета. Художник назвал это символическое действие «аэростатической скульптурой».  В середине 1957 года монохромы художника были продемонстрированы в лондонской галерее Gallery One. Выставка имела резонанс, современная живопись и картины Кляйна в частности вызвали многочисленные споры и неоднократно освещались в СМИ. Имя Кляйна было на слуху. Его эксперименты привлекали внимание общественности. Одним из сенсационных изобретением художника стала антропометрия. Как известно, в своем творчестве Кляйн пользовался редукцией, то есть он максимально упрощал традиционные формы искусства. Принцип антропометрии заключался в том, что обнаженные модели рисовали себя сами, оставляя отпечатки своих облитых синей краской тел на полотне. Публика получила возможность увидеть, что антропометрия – это не только метод живописи современных художников, но и самое настоящее представление. Помимо моделей, в перформансе участвовал сам Кляйн, облаченный во фрак и перчатки. Он демонстративно стоял в стороне, когда его картины создавались словно сами по себе. Чтобы как-то дополнить процесс, был нанят оркестр, который исполнял монотонную симфонию, автором которого являлся сам Кляйн. Она состояла из одной ноты, которая растягивалась на 10 минут, затем наступала пауза (на те же 10 минут), затем та же нота повторялась.

Один из проектов в области современного концептуального искусства Кляйна – фойе оперного театра в Гельзенкирхене (Германия). Синие панно были отделаны натуральными губками, пропитанными его любимой синей краской. Они олицетворяли зрителей. Идея состояла в том, что люди пропитываются культурой, находясь в театре. Обычно театры украшают портретами артистов, так что Кляйн и здесь пошел против установленных правил. К таким же нарушениям относится применение огнемета, с помощью которого художник писал иные свои картины. Помимо огненной живописи, Кляйн занимался космогонией. В создании таких картин принимал участие не только художник, но и сама природа. Допустим, Кляйн привязывал картину к крыше машины и пускался в путь, а дальше дождь или солнце делали свое дело.

Небесная концепция

В конце 50-х гг. художник концентрируется на синем цвете, который проходит практически через все его произведения, будь то картины, скульптуры или перформансы. Художник пользуется новаторским творческим способом. Он закрашивает полотна ультрамариновым пигментом, разбавленным синтетической смолой Rhodopas. Секрет в том, что пигмент сохраняет свою яркость. Если же разбавлять его льняным маслом, как это принято в художественной практике, то цвет неизбежно тускнеет. В конце весны 1960 г. Иву Кляйну был вручен патент на формулу синего цвета. Найденный художником оттенок был похож на ляпис-лазурь, которой рисовали мастера Средневековья. Этот оттенок стал известен как Международный синий цвет Кляйна и получил персональный номер PB 29, CI-77-0007 и шестнадцатеричный код #002FA7. Таким образом, Кляйну удалось достичь своей цели. Он создал тот самый цвет, что воплотил в себе бесконечные духовные горизонты, к которым он стремился. Ив Кляйн умер 6 июня 1962 г. в Париже от сердечного приступа. Ему было 34 года. Он сделал большой вклад в современное искусство и живопись. Кляйн одним из первых стал писать монохромные картины и рекламировать свое творчество с помощью художественных акций. Кляйн понимал важность перформанса, который нагляднее любой выставки и помогает выразить сложную идею доступными способами, что способствует продаже современного искусства.

Роль Ив Кляйна в мире современного концептуального искусства

Жизнь Ива Кляйна оборвалась очень рано, но он привнес в мир искусства немало нового. Он посвятил искусству только 8 лет, но даже этого хватило, чтобы раскрыть несколько важных тем. Главное открытие, которое сделал Кляйн, состоит  в том, что позиция художника говорит больше, чем его произведение. Подача может быть важнее самого послания. Эта идея Кляйна прижилась в авангардизме, живопись современных художников становится все условнее. Незадолго до своей смерти радикальный экспериментатор раскрыл свои карты. Чтобы понять суть его произведений, надо просто посмотреть в небо. Именно там кроются все ответы. И правда, что может быть красивее неба. Выше неба нет ничего. Любование небесной синью всегда вдохновляло художника-концептуалиста, однажды «подписавшего» своими инициалами небо родной Ниццы.

Запись Концептуальное искусство Ив Кляйна. Часть 2 впервые появилась artkoncept.

]]>
http://artkoncept.ru/kontseptualnoe-iskusstvo-iv-klyayna-chast-2/feed/ 0
Концептуальное искусство Ив Кляйна. Часть 1 http://artkoncept.ru/kontseptualnoe-iskusstvo-iv-klyayna-chast-1/ http://artkoncept.ru/kontseptualnoe-iskusstvo-iv-klyayna-chast-1/#comments Thu, 18 Jul 2013 16:29:39 +0000 http://artkoncept.ru/?p=69 Ранняя биография  Ив Кляйна Ив Кляйн появился на свет 28 апреля 1928 г. в Ницце (Франция). Его родители были художниками. Фред Кляйн рисовал картины в стиле постимпрессионизма, мать посвятила себя абстракционизму и ташизму. С ранних лет Ив помогал отцу, содержащему книжный магазин. В его подвале будущий художник создал свою собственную студию, где и начались его творческие […]

Запись Концептуальное искусство Ив Кляйна. Часть 1 впервые появилась artkoncept.

]]>
Концептуальное искусство Ив Кляйна. Часть 1

Концептуальное искусство Ив Кляйна. Часть 1

Ранняя биография  Ив Кляйна

Ив Кляйн появился на свет 28 апреля 1928 г. в Ницце (Франция). Его родители были художниками. Фред Кляйн рисовал картины в стиле постимпрессионизма, мать посвятила себя абстракционизму и ташизму. С ранних лет Ив помогал отцу, содержащему книжный магазин. В его подвале будущий художник создал свою собственную студию, где и начались его творческие эксперименты в области современного искусства.

Уже в те годы Кляйн был очень восприимчив, его сознание рождало причудливые, фантасмагорические образы. Однажды юный выдумщик предложил своим приятелям Клоду Паскалю и Армандо Фернандесу разделить мир так, чтобы каждому из них досталась своя часть. Армандо стал владельцем земли, Клоду подарили воздух, а Ив получил в свое полное распоряжение небо, которое и определило тематику всех его дальнейших работ. В подвал не проникал солнечный свет, поэтому Ив покрасил потолок синей краской. Безоблачное небо теперь сопровождало его весь день. Хотя Кляйн начал пробовать свои силы в живописи, он не занимался ею профессионально. Вместо этого он обучался в Высшей школе мореходства, а затем поступил в Высшую школу восточных языков. Там молодой человек увлекся восточными боевыми искусствами. Он оттачивал свое мастерство в Англии и Японии. Усиленные тренировки не прошли даром – он получил черный пояс и издал книгу, посвященную дзюдо. Помимо этого, Кляйн много ездил по миру. Он часто навещал Италию, отбыл военную повинность в Германии, был членом клуба верховой езды в Ирландии, провел немало времени в Мадриде. Также он вступил в общество розенкрейцеров и Орден лучников святого Себастьяна. Его действительно можно назвать разносторонней личностью.

Начало творчества в области современного искусства

В 1954 г. Кляйн представляет публике свою первую экспозицию. Работа была выполнена в стиле позднего дадаизма. Она представляла собой 10 разноцветных пластин, скомпонованных из однотонных прямоугольников. Они были вырезаны на бумаге и подписаны. Автор указал их размеры и место создания (Ницца, Париж, Токио, Мадрид). Две коллекции монохромов дополнялись своеобразным предисловием Клода Паскаля, где текст был заменен черными линиями. Эта инсталляция заявила об Иве Кляйне как о представителе концептуального искусства. Может ли считаться искусством картина, представляющая собой ровно закрашенное полотно? Отвечает ли она традиционным представлениям об изобразительном искусстве? Кляйн упростил понятие живописи, но всегда придерживался ее основных принципов, ведь картина по сути представляет собой холст, на который нанесена краска. Затем молодой художник выставил в Салоне Nouvelles монохром оранжевого цвета, получивший название «Expression de l’univers de la couleur mine orange». Это была очень лаконичная работа: доска, закрашенная матовой оранжевой краской. Кроме подписи автора и даты создания, на картине больше ничего не было. Абстракционисты отклонили это произведение современной живописи, найдя его сомнительным. Им не хватило какой-либо детали, способной придать картине завершенность и содержательность. В октябре 1955 . прошла первая выставка Ива Кляйна в Club des Solitaires, галерее, принадлежащей издательскому дому Lacoste. В конце того же года художник создает в столице Франции свою школу дзюдо, чтобы не зависеть от случайных заработков в мире современного искусства. Параллельно он работает в своей новой студии над «теорией одного цвета», которая воплотилась в одноцветных картинах. Кляйн видел в них «чистую абстрактную идею», способную вызвать просветление.

Скандальные выставки концептуального искусства Ив Кляйна

Зимой 1956 г. под лозунгом «только цвет, никаких линий и форм», который Кляйн провозгласил в Ордене лучников святого Себастьяна, прошла выставка «Yves, Propositions Monochromes» в парижском салоне Colette Allendy. В начале 1957 г. Кляйн представляет в миланской галерее 11 одинаковых синих картин размера 78х56 см. Его монохромы были неотличимы друг от друга, что поднимало вопрос о тиражируемости искусства и о том, что вообще можно считать искусством, каким критериям оно должно отвечать и каким образом формировать цену на него. Как автор Кляйн оставляет за собой право назначать разную цену на совершенные одинаковые картины, предоставляя критикам и арт-дилерам самим обосновывать эту разницу.

Эти монохромы, на которые была назначена разная цена, становятся первыми ласточками «синего периода» Кляйна. Весной 1957 г. проходит двойная выставка художника в Париже. Первая, монохромная часть «Yves, Propositions monochromes» выставляется в галерее Iris Clert. Вторая, скульптурная – экспонируется в салоне Colette Allendy под названием «Pigment pur». Во вторую часть также входит инсталляция, представляющая собой пустую комнату. Оригинальные находки Кляйна нередко подвергались острой критике, и это немудрено. Ведь «Пустота» на самом деле была ничем иным, как собственно пустотой. Выставочный зал был абсолютно пуст, если не считать оборудования самой галереи. Но нельзя сказать, чтобы посетители уходили ни с чем. Во-первых, они так или иначе посетили выставку модного художника, во-вторых, они выбрались в свет и приобщились к резонансному событию. Скандальная экспозиция в духе голого короля Андерсона была организована на высшем уровне, как это принято в современном искусстве, получающем солидные инвестиции. Гостям предварительно были разосланы синие приглашения в синих конвертах. Марки тоже были синими, как и коктейли, которыми угощали прибывшую на выставку публику. Во избежание беспорядков галерея охранялась национальными гвардейцами. Выставку посетили 3 тысячи человек.

Запись Концептуальное искусство Ив Кляйна. Часть 1 впервые появилась artkoncept.

]]>
http://artkoncept.ru/kontseptualnoe-iskusstvo-iv-klyayna-chast-1/feed/ 0
Современное искусство Энди Уорхола. Часть 2 http://artkoncept.ru/sovremennoe-iskusstvo-endi-uorhola-chast-2/ http://artkoncept.ru/sovremennoe-iskusstvo-endi-uorhola-chast-2/#comments Tue, 25 Jun 2013 17:51:53 +0000 http://artkoncept.ru/?p=56 Современное искусство на «Фабрике» Уорхола На «Фабрике» Уорхола было создано порядка двухсот картин. Среди них — эпатажные полотна, изображения известных людей современности — актёров, музыкантов, политиков. Под своей крышей «Фабрика» собирала большое количество людей, обладавщих незаурядностью — Вива, Холли Вудло, Джерард Маланга, Эди Сэджвик, которая стала  музой Энди Уорхола. Эти люди помогали Энди в работе […]

Запись Современное искусство Энди Уорхола. Часть 2 впервые появилась artkoncept.

]]>
Современное искусство Энди Уорхола. Часть 2

Современное искусство Энди Уорхола. Часть 2

Современное искусство на «Фабрике» Уорхола

На «Фабрике» Уорхола было создано порядка двухсот картин. Среди них — эпатажные полотна, изображения известных людей современности — актёров, музыкантов, политиков. Под своей крышей «Фабрика» собирала большое количество людей, обладавщих незаурядностью — Вива, Холли Вудло, Джерард Маланга, Эди Сэджвик, которая стала  музой Энди Уорхола. Эти люди помогали Энди в работе над его проектами. Во второй половине шестидесятых Уорхол совместно с Полом Морисси стал снимать кинофильмы, многие из которых носили эротическую окраску. Всего было снято более трёхсот фильмов, имевших успех исключительно в узких кругах. Большинство из них длились до 25 часов, не имели никакого сюжета, лишь воспроизводя какое-либо действие из жизни человека (появляясь на экране в голом виде, один актёр курил, ел, спал в течение нескольких часов). «Я это делал потому, что понял: зрители ходят в кино главным образом для того, чтобы увидеть своего любимого актера. Вот я и дал им эту возможность» — говорит автор о своих фильмах. Были на «Фабрике» и собственные «суперзвёзды», такие как Эди Седжвик и Джо Далессандро.

Самыми известными фильмами Энди Уорхола стали «Девушки из «Челси», «Кинопробы», «Винил». В его фильмах, представляющих концептуальное искусство того времени, «Плоть» (1969) и «Мусор» (1970) наблюдается некоторая пародийность на современное коммерческое кино. В 1966 году Уорхол основал рок-группу «The Velvet Underground & Nico», с участием которой создал несколько кинофильмов в течение 1966-1968 гг. Кроме того, он стал автором обложки первого диска группы и продюссером её нескольких альбомов. После покушения на Энди Уорхола в 1968 году многие участники «Фабрики» уходят из неё. Энди создаёт портреты начинающих актёров и знаменитостей. Среди его моделей — Джон Траволта, Том Круз, Бриджит Бардо, Мик Джаггер, Майкл Джексон и другие. В семидесятых Уорхол пишет портреты на заказ, снимая заказчика на Полароид, выбирая самую лучшую фотографию, увеличивая её и с помощью технологии шелкографии перенося на холст изображение. Полученная картина расписывалась маслом. Так были созданы портреты Джона Леннона, Лайзы Минелли, Марлона Брандо, Джейн Фонды и других.

В середине семидесятых в основанном Уорхолом журнале «Interview» (1969), изначально полностью посвящённом теме кино, стали освещаться темы искусства, моды, музыки, телевидения. Особенность материалов журнала была такова, что интервью давалось не журналистам, а одни звёзды беседовали с другими. Так реализовывалась идея непринуждённого разговора, отражённая в первоначальном названии издания — inter/View (между мнениями). В 1975 году увидела свет книга «Философия Энди Уорхола. От А до В и наоборот». Энди расписал автомобиль BMW, модель М1 в 1979 году, а в середине восьмидесятых на MTV появились его шоу — «Пятнадцать минут с Энди Уорхолом» и «Телевидение Энди Уорхола». Энди Уорхол, при всей его противоречивости, несомненно является знаковой фигурой прошедшего столетия. Художник создавал себе эпатажный имидж — обесцвечивал волосы, надевал парики с чёрными прядями, делал макияж, и в то же время утверждал: «Я обожаю униформу! Потому что если ты — пустое место, то и одежда не делает из тебя человека. Лучше всего носить одно и то же и знать, что в тебе любят тебя самого, а не то, что из тебя может сделать одежда».

Наследие Энди Уорхола

В семиэтажном здании музея Энди Уорхола, основанном в Питтсбурге в 1994 году, представлено порядка 900 картин, 4000 фотографий, 4350 фильмов, 77 скульптур. Здесь также хранятся его парики, оригиналы дневников и так называемые «Капсулы времени» — коллекции писем, сувениров, открыток, одежды, газет и других атрибутов повседневной жизни Энди, собираемые им при жизни, начиная с 1973 года. Они складывались художником в коробки, и к 1987 году собралось 610 коробок. Каждый год музей делает выездные выставки по всему миру. В 1995 году был снят фильм о покушении на Энди «Я стреляла в Энди Уорхола», в 2001 году вышли два документальных фильма, посвящённые этой уникальной фигуре — «Энди Уорхол: Законченная картина», рассказывающий о его творчестве, и «Абсолютный Вархола» — фильм о жизни и семье Энди. Ещё один фильм «Я соблазнила Энди Уорхола» (или «Фабричная девушка», 2006) показывает отношения между Энди Уорхолом и Эди Седжвик. В 2003 году лучшей за всю историю музыки была признана обложка, предложенная Уорхолом для альбома группы «Роллинг Стоунз» Sticky Fingers 1971 года. Для обложки было использвано фото Джо Далессандро, одетого в обтягивающие джинсы, застёжка-молния которых расстёгивалсь по-настоящему. Под ней можно было увидеть нижнее бельё с автографами музыкантов группы.

Коммерческий аспект. Шедевры Энди Уорхола — лидеры продаж на рынке совеременного искусства

В 2011 году компания Кэмпбелл произвела лимитированный выпуск коллекции супов, приуроченной к пятидесятилетию одноимённой серии работ Уорхола. Компания создала упаковки четырёх вариантов, они все обладали общей чертой — цвета, в которые раскрашивались банки соответствовали использованным Энди Уорхолом — красный, жёлтый, зелёный, голубой и синий. Банку этих супов можно было приобрести в американской сети магазинов «Target» за 75 центов. В 2012 году Энди Уорхолу была посвящена тематическая коллекция декоративной косметики под названием «Nars & Andy Warhol Collection», на упаковке которой были изображены музы художника и приведены его цитаты. Диапазон стоимости этой продукции составлял 35-75 долларов. В декабре того же года издание «Dujour» опубликовало посвящённую Энди и его музам (Эди Седжвик, Нико, Кэнди Дарлинг) фотосессию.

В настоящее время работы художника — рекордсмены среди всех продаж современного искусства. Картины Пабло Пикассо занимают второе место после творчества Уорхола.  В 1995 году Музей современного искусства в Нью-Йорке приобрёл знаменитую серию «Банка супа «Кэмпбелл»» по цене 14,5 млн долларов, а в 2008 году полотно Уорхола «Восемь Элвисов» было продано за 100 миллионов долларов. В 2006 году по итогам продаж современного искусства ушло 1010 его произведений, общая сумма выручки составила 199 млн долларов, а в 2010 выручка от продаж его шедевров оказалась более 300 млн долларов. В прошлом году, согласно общим итогам аукционов, на торгах, посвящённых живописи современных художников, произведения Энди Уорхола были проданы на общую сумму 380 миллионов долларов.

Согласно информации газеты «The Guardian», в 2004 году третье место списка «500 выдающихся произведений современного искусства» заняла работа Энди Уорхола «Диптих Мэрилин», находящаяся в настоящее время в Ливерпуле, в галерее Тейт.

Современное искусство Энди Уорхола. Часть 1

Запись Современное искусство Энди Уорхола. Часть 2 впервые появилась artkoncept.

]]>
http://artkoncept.ru/sovremennoe-iskusstvo-endi-uorhola-chast-2/feed/ 0
Современное искусство Энди Уорхола. Часть 1 http://artkoncept.ru/sovremennoe-iskusstvo-endi-uorhola-chast-1/ http://artkoncept.ru/sovremennoe-iskusstvo-endi-uorhola-chast-1/#comments Tue, 25 Jun 2013 17:51:51 +0000 http://artkoncept.ru/?p=55 Культовая фигура современного искусства. Биография и становление творчества Энди Уорхол —  американский художник, культовая личность в современном искусстве вообще и в направлении поп-арт в частности. Он был фотографом и режиссёром, журналистом и продюссером, дизайнером и писателем, издателем журналов и коллекционером. Андрей Вархола (это имя было дано ему при рождении) родился в Питтсбурге (Пенсильвания, США) 6 […]

Запись Современное искусство Энди Уорхола. Часть 1 впервые появилась artkoncept.

]]>
Современное искусство Энди Уорхола. Часть 1

Современное искусство Энди Уорхола. Часть 1

Культовая фигура современного искусства. Биография и становление творчества

Энди Уорхол —  американский художник, культовая личность в современном искусстве вообще и в направлении поп-арт в частности. Он был фотографом и режиссёром, журналистом и продюссером, дизайнером и писателем, издателем журналов и коллекционером.

Андрей Вархола (это имя было дано ему при рождении) родился в Питтсбурге (Пенсильвания, США) 6 августа 1928 года в семье словацких эмигрантов. В шестилетнем возрасте мальчик ходил в Технологический институт Карнеги на бесплатные подготовительные занятия по искусству. Когда Андрею исполнолось девять, у него появился певый фотоаппарат — подарок родителей. В третьем классе школы Уорхол переболел скарлатиной, после чего получил осложнение в виде хореи — нарушения нервной системы, проявляющееся непроизвольными движениями рук и ног. У мальчика появляется страх перед больницами и врачами, преследующий его всю жизнь. Долгое время Андрей не посещает школу и становится изгоем в классе. В те периоды, когда Уорхол был прикован к постели, он увлёкся рисованием, начал собирать фотографии знаменитых киноактёров, а также газетные вырезки, из которых делал коллажи.

Энди было тринадцать, когда не стало его отца, Андрея Вархолы-старшего. Через три года, по окончании школы Шенли, юноша поступает на художественный факультет Технологического института Карнеги. На обучение пошли деньги, отложенные для этой цели отцом. Окончив институт со степенью бакалавра изобразительных искусств в 1949 году, молодой человек переезжает в Нью-Йорк. Энди занимается оформлением плакатов и витрин универмага Джозефа Хорна, в конце 1949 года работает художником-иллюстратором в таких популярных изданиях, как Vogue, Bazaar, Harper’s, Glamour и др., разрабатывает дизайн открыток, рекламу различных торговых марок, обожки компании Columbia Records. После удачной рекламной кампании для фирмы, производящей обувь, Уорхол познаёт успех, и годовой заработок его в начале пятидесятых составляет около 100 тысяч долларов. В 1952 году состоялась выставка работ художника, на которой были представлены пятнадцать рисунков для произведений Трумена Капоте. Все они стали шедеврами современной живописи. Тогда же Уорхол получил первую в своей жизни награду от Клуба художественных редакторов «За графичесое искусство». Состоявшийся мастер в области концептуального искусства, Энди перевёз в Нью-Йорк свою мать, урождённую Юлию Завацки, с которой 20 лет прожил в одной квартире, считая её самым близким человеком. В 1956 году художник удостоен почётного приза Клуба художественных редакторов, а в 1959 году его работы были представлены в Музее Соломона Гуггенхайма.

Стиль поп-арт

С 1959 года Уорхол арендует последний этаж здания в Манхэттене, на Верхнем Ист-Сайде, где организовывает мастерскую. В 1961 году Энди начинает создавать свои шедевры современной живописи — картины и иллюстрации, выполненные в стиле поп-арт. В 1962 году были написаны знаменитые «Банки супа «Кэмпбелл»», впоследствии ставшие визитной карточкой автора, и «Зелёные бутылки Кока-Колы» в кислотных цветах. В 1963 году здание в Манхэттене приобретается художником целиком, ему даётся название «Фабрика», и оно становится в некотором смысле фабрикой по «производству» произведений современного искусства — живописи, фотографии, кино. Вседозволенность, царящая на «Фабрике», часто проводимые там вечеринки, не вписывалются в представление о художественной мастерской как о тихом месте, где мастер уединяется для творчества. Несмотря на публичность признанного гения концептуального искусства, его личная жизнь во многом остаётся загадкой. Не заявляя о своей гомосексуальности, Уорхол вносит свою лепту в развитие этой темы в кинематографе. Из записей в дневнике Энди видно отсутствие у него близких отношений как с мужчинами, так и с женщинами. Он писал любовные письма Трумену Капоте, его связывали платонические отношения с моделью Нико и Эди Седжвик. Эту девушку на «Фабрику» Уорхола привёл её друг в 1965 году. Эниди был очарован, и Эди тоже, она почти не покидала «Фабрику». Уорхол хотел сделать Седжвик королевой «Фабрики», постоянно снимал её в своих фильмах. Более года они появлялись на публике в обществе друг друга, в одинаковой серебристой одежде и с одинаковыми стрижками осветлённых волос. В тот период Эди Седжвик частенько называла себя не иначе как «миссис Уорхол».

Вокруг художника создалась своеобразная молодёжная субкультура. Одна из её привержениц, ранее снимавшаяся в его фильмах крайняя феминистка Валери Соланс, 3 июня 1968 года в здании «Фабрики» нанесла Энди Уорхолу тяжкое ранение троекратным выстрелом в живот. Все его внутренние органы были повреждены. Чудом оставшись в живых, он отказался от дачи обвинительных показаний. Это покушение сделало художника инвалидом на всю оставшуюся жизнь. После этого происшествия Энди регулярно посещает службы греко-католической церкви, исповедуется. В темах его произведений появляются сюжеты, связанные с насильственной смертью. В 1987 году Энди Уорхол перенёс операцию по удалению желчного пузыря, после которой 22 февраля умер во сне в Медицинском центре Корнуэлл (Манхэттен). Братья художника Джон и Пол похоронили его на территории церкви Святого Духа в Питтсбурге. В Нью-Йорке поминальную службу в Соборе Святого Патрика посетило примерно две тысячи человек. Состояние гениального творца современного искусства оценивалось в 600 миллионов долларов. Личные записи Энди Уорхола — «Дневники», которые велись им с шестидесятых годов, были посмертно опубликованы в 1989 году.

Вклад Уорхола в концептуальное искусство

Говоря о творчестве, о живописи современных художников, невозможно обойти Энди Уорхола. Художник, дизайнер, скульптор, режиссёр… таков неполный перечень того, кем был этот противоречивый человек, оказавший большое влияние на современное искусство — живопись, кинематограф и многое другое. Одна из наиболее эпатажных личностей, проявивших себя в искусстве второй половины двадцатого века, Уорхол создал работы, ставшие символом коммерческой ценности американского искусства. Успех пришёл к художнику в начале пятидесятых. В 1961 году он начал создание признанных шедевров современной живописи — картин «Зеленые бутылки Coca-Cola» и «Банки супа Campbell», используя при этом технику шелкографии. Этот приём позволил художнику воссоздавать одни и те же образы десятки, или даже сотни раз. «Продукт потребляют все — президент страны, Элизабет Тейлор и нищий, который знает, что его Кока-Кола не хуже, чем у президента» — так автор объясняет огромное количество бутылок Кока-Колы, изображённых на полотне. Монотонное повторение одного и того же образа становится отличительной особенностью творчества Энди Уорхола. Его произведения стали символом эпохи массового потребления, её выражением в современном искусстве. После смерти Мэрилин Монро Уорхол создаёт «Диптих Мэрилин» (1962) — пятьдесят идентичных друг другу изображений Монро с фотографии со съёмок фильма «Ниагара», сделанной в 1953 году. Левая часть картины состоит из 25 цветных изображений актрисы, а правая — 25 таких же образов, имитирующих нерезкие негативы. По одной из трактовок полотна, эти две его части символизировали жизнь и смерть Мэрилин. В 1963 году была создана серия «Пять смертей» — работы Уорхола, общая тема которых — катастрофы и смерть. В 1965 году художник представляет своё творчество на выставках во многих городах мира. Среди них — Нью-Йорк, Торонто, Париж, Милан, Турин, Буэнос-Айрес, Эссен, Стокгольм.

Современное искусство Энди Уорхола. Часть 2

Запись Современное искусство Энди Уорхола. Часть 1 впервые появилась artkoncept.

]]>
http://artkoncept.ru/sovremennoe-iskusstvo-endi-uorhola-chast-1/feed/ 0
Современное концептуальное искусство: творчество Дэмиена Херста http://artkoncept.ru/sovremennoe-kontseptualnoe-iskusstvo-tvorchestvo-demiena-hersta/ http://artkoncept.ru/sovremennoe-kontseptualnoe-iskusstvo-tvorchestvo-demiena-hersta/#comments Sat, 01 Jun 2013 18:58:28 +0000 http://artkoncept.ru/?p=40 Современное концептуальное искусство: творчество Дэмиена Херста В предыдущей статье мы кратко рассмотрели историю одного из апостолов современного искусства — Дэмиена Херста. Давайте же рассмотрим его творчество подробнее. Дэмиена Херста по праву можно назвать одним из наиболее дорогих художников нашего времени. Свою славу он приобрел, будучи дерзким, и используя в качестве главной темы своих работ смерть. […]

Запись Современное концептуальное искусство: творчество Дэмиена Херста впервые появилась artkoncept.

]]>
Современное концептуальное искусство Дэмиена Херста

Современное концептуальное искусство Дэмиена Херста

Современное концептуальное искусство: творчество Дэмиена Херста

В предыдущей статье мы кратко рассмотрели историю одного из апостолов современного искусства — Дэмиена Херста. Давайте же рассмотрим его творчество подробнее.

Дэмиена Херста по праву можно назвать одним из наиболее дорогих художников нашего времени. Свою славу он приобрел, будучи дерзким, и используя в качестве главной темы своих работ смерть. Почему же 47-летний британец Дэмиен Херст признан гениальным представителем концептуального искусства?

Дэмиен Херст известен тем, что основным направлением своей деятельности выбрал изображение смерти и человеческих черепов. По словам Херста, именно череп является торжеством жизни. В Музее океанографии, расположенном в Монако, весной состоялась выставка работ известного художника. Сюда доставили шестьдесят экспонатов, ужасных, но баснословно дорогих. При виде работ художника в душе зарождается отвращение и восторг одновременно. Такие ощущения можно получить, глядя на живопись современных художников. Дэмиен Херст же утверждает, что если работа попала на выставку в галерею, то она сама по себе уже искусство. Так почему коллекционеры готовы платить огромные деньги за хранящихся в формальдегиде расчлененных животных? Что помогает Херсту с таким успехом продавать свои работы за миллионы долларов?

Новое направление современного искусства

После окончания школы Дэмиен Херст поступает учиться колледж в Лидсе. Окончив и его, отправляется в Голдсмит, где решает продолжить свое обучение в Лондонском университете современного искусства. Но поступить туда удается только со второй попытки. Спустя время он признался, что не мог похвастаться своими рисунками в школе, но стремиться стать лучшим никогда не переставал. Поэтому выбрал другой путь для достижения успеха. В 1988 году Херстом была организована выставка, носившая название «Леденящий» (Freeze), собравшая работы молодых художников. Эта выставка заинтересовала Чарльза Саатчи, известного промоутера и коллекционера, где он познакомился с Дэмиеном Херстом. Это знакомство можно назвать судьбоносным для начинающего художника. Именно Саатчи натолкнул Херста на мысль, что искусство нашего времени является не чем иным, как состязанием идей. Такой мыслью также пронизаны многие произведения современной живописи России.

Эта мысль не пропала зря, а стала основополагающей в творчестве гениального художника. Он понимал, что просто рисуя, он не сможет добиться той славы и успеха, которые достижимы в несколько другом виде творчества. Все страшное и непонятное притягивает к себе и заставляет задуматься, а чем больше при этом создано провокации, тем больше денег за это можно получить. Поэтому Херст решил создавать произведения искусства,  интересующие даже искушенных коллекционеров современного концептуального искусства. 1992 год ознаменовался для Дэмиена Херста тем, что была выставлена его первая знаковая работа – чучело акулы, помещенное в формальдегид. Херст назвал ее  «Физическая невозможность смерти в сознании живущего» и продал за 90 тысяч долларов ни кому иному, как Чарльзу Саатчи, со временем продавшим творение уже за 12 миллионов долларов.

Дэмиен Херст вырос в бедной семье, поэтому тема денег для него была всегда актуальной. Желание быть не таким как все подтолкнуло его одним из первых слушать Sex Pistols и не расставаться с кожаной курткой. Но не все разделяли его убеждения. Как вспоминает сам Дэмиен, его мама всячески пыталась помешать ему. Она однажды даже порезала его штаны и сожгла пластинки с записями. Позже у Херста появились и приверженцы, такие как Чарльз Саатчи, разделивший идеи художника. Тема произведений, созданных Дэмиеном, была неизменной – смерть, вот только цена за них росла. Он много пил и употреблял наркотики, не боясь смерти и не дорожа своей жизнью.  Или просто желал почувствовать, насколько близка смерть. Отсутствие страха перед ней позволило превратить эту тему в представление и зарабатывать на нем большие деньги.

Но был один случай в жизни гения, который заставил его задуматься о выбранном пути. В 2003 году от сердечного приступа умер Джо Страммер – вокалист группы The Clash и лучший друг Херста. Это открыло ему глаза на смертность каждого человека, вызвало чувство ужаса. Прекратить эксперименты со своей жизнью помогла Майя Норманн, дизайнер и подруга художника. Ради нее и сыновей у него появилось желание жить. 1995 год для Дэмиена и Майи стал одним из наиболее знаменательных – у них родился сын Коннор. Сейчас, когда он уже вырос, Херст понимает свою мать, ведь сам воспитывает взрослого сына. Сможет ли он приобщить его к современной живописи, сказать сейчас не берется никто. С двумя младшими сыновьями, Кассиусом и Сайрусом, пока легче, но они тоже скоро вырастут. На сегодняшний день семья Херста не нуждается в деньгах, имеет 2 дома в Мексике и США. Есть еще поместье в Британии, где они бывают чаще всего, для этого приходится содержать управляющего, домработницу, няню, плотника, двух лесников, а также садовника.

Современная живопись как альтернатива

 Дэмиена Херста можно сравнить с поп-звездой, он популярен, фанаты не оставляют его в покое.  На выставке в Музее океанографии один из них решил создать свой собственный экспонат из выброшенной художником банки колы, разрезав ее и поместив в формальдегид. На такие акции деятель современного искусства внимания не обращает, а желает творить не ради денег, а для будущих поколений. Интересно, сказано ли это искренне, или чтобы произвести впечатление? Однако одно из заявлений художника не вызывает сомнений. В интервью ВВС он сказал, что больше не хочет никого расчленять. А желание шокировать своих поклонников может быть реализовано в картинах, нарисованных красками. Сможет ли творчество Херста, воплощенное современным искусством живописи стать таким же необычным, шокирующим и дорогим, покажет время. Но на пути к новым идеям Херст все-таки не смог удержаться и недавно опять предоставил широкой публике свою неизменно популярную «формальдегидовую» работу.

Запись Современное концептуальное искусство: творчество Дэмиена Херста впервые появилась artkoncept.

]]>
http://artkoncept.ru/sovremennoe-kontseptualnoe-iskusstvo-tvorchestvo-demiena-hersta/feed/ 0
Знакомство с концептуальным искусством: Дэмиен Херст http://artkoncept.ru/znakomstvo-s-kontseptualnyim-iskusstvom-demien-herst/ http://artkoncept.ru/znakomstvo-s-kontseptualnyim-iskusstvom-demien-herst/#comments Sat, 01 Jun 2013 18:57:18 +0000 http://artkoncept.ru/?p=38 Современное концептуальное искусство: история Дэмиена Херста Впервые об этом британском коллекционере и художнике стало известно еще в конце 1980-х годов. The Sunday Times в 2010 году признала его самым богатым человеком Великобритании. Он также входит в группу «Молодые британские художники», а его работы, по мнению ценителей концептуального искусства, по праву считаются самыми дорогими. Работы Дэмиена […]

Запись Знакомство с концептуальным искусством: Дэмиен Херст впервые появилась artkoncept.

]]>
Любовь Бога - Дэмиен Херст, современное концептуальное искусство

Любовь Бога — Дэмиен Херст

Современное концептуальное искусство: история Дэмиена Херста

Впервые об этом британском коллекционере и художнике стало известно еще в конце 1980-х годов. The Sunday Times в 2010 году признала его самым богатым человеком Великобритании. Он также входит в группу «Молодые британские художники», а его работы, по мнению ценителей концептуального искусства, по праву считаются самыми дорогими. Работы Дэмиена Херста украшают коллекции галерей и музеев мира. Их можно встретить в Нью-Йоркском Музее современного искусства, Центральном музей Ульрехта, Tate, Музее Хиршхорна и многих других. Также Дэмиен Херст известен как дизайнер и коллекционер, имеющий в своем собрании полотна Трейси Эммин, Энди Уорхола, Джеффа Кунса, Фрэнсиса Бэкона.

Концептуальное искусство и жизненный путь

Нелегкий путь Дэмиена Херста к успеху начался в 1988 году, когда на организованной им выставке художник был замечен известным коллекционером Чарльзом Саатчи. По прошествии 2 лет, в 1990 году, на выставках Gambler и Modern Medicine художник произвел фурор своей работой «Тысяча лет», где публика увидела помещенную в стеклянный контейнер голову коровы и мух, летящих на нее. Работа эта также была приобретена Чарльзом Саатчи, с которым Дэмиен Херст продолжал сотрудничество до 2003 года.

1991 год, Лондон. Первая собственная выставка Херста, названная In and Out of Love.

В 1992 году на выставке «Молодых британских художников», посвященной современному концептуальному искусству, на обозрение широкой публике Херст представил свое произведение, не только прославившее его, но и позволившее стать номинантом на премию Тёрнера. Это была тигровая акула, помещенная в формальдегид и названная «Физическая невозможность смерти в сознании живущего».

1993 год ознаменовался участием в Венецианской биеннале, где была представлена работа «Разделенные мать и дитя». А в 1994 на выставке Some Went Mad, Some Ran Away его мёртвая овца в формальдегиде (позднее названная «Чёрной овцой») опять шокировала публику.

Херст стал обладателем премии Тёрнера в 1995 году. В этом же году он презентовал свою работу, изображающую разлагающихся быка и корову. Его произведения участвовали в выставках в Зальцбурге, Лондоне, Сеуле.

В 1997 году в свет вышла автобиографическая книга художника.

2000 год принес Херсту не меньшую славу. Благодаря выставке Art Noise скульптура анатомической модели человеческого тела, имеющая высоту более 6 метров, была куплена Саатчи. Еще одна выставка этого года — «Damien Hirst: Models, Methods, Approaches, Assumptions, Results and Findings» принесла художнику огромные деньги. Все скульптуры, представленные на ней, были проданы.

Одним из наиболее знаменательных годов в жизни Херста стал 2007. Художником был презентован человеческий череп, названный «Ради любви к богу». В этой работе настоящими являлись лишь зубы. На изготовление черепа, покрытого платиной и усыпанного бриллиантами, Херст потратил 14 млн. фунтов, а продал за 50 млн. фунтов. Это произведение стало самым дорогим из всех ранее созданных Дэмиеном Херстом. Еще одним направлением творчества гениального художника является современная живопись. В качестве наиболее известных работ можно назвать триптихи «Ничего не значащие», которые художник выполнил в стиле Фрэнсиса Бэкона. Также всемирно известны его серии Spots (на белом фоне разноцветные точки), Spins (концентрические круги), Butterflies (произведения, выполненные с использованием крыльев бабочек). Работы настолько уникальны, что ни один представитель современной живописи России или другой страны не может похвастаться настолько грандиозными результатами своей работы.

Запись Знакомство с концептуальным искусством: Дэмиен Херст впервые появилась artkoncept.

]]>
http://artkoncept.ru/znakomstvo-s-kontseptualnyim-iskusstvom-demien-herst/feed/ 0